domingo, 29 de noviembre de 2015
comer sin carne
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abejas en extincion
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viernes, 27 de noviembre de 2015
jueves, 26 de noviembre de 2015
La ciudad que adolece
Jorge Israel Montes Méndez
LA CIUDAD QUE ADOLECE
La ciudad está herida y la ausencia del sol no hace más que acentuar sus lesiones.
Morelia, la urbe de cantera rosa, símbolo de su orgullo, está ahora ennegrecida por la carencia de consciencia histórica de los protestantes que la atacan constantemente; de oleada en oleada, como el mar, que las arenas de la playa no dejan de afluir, los inconformes destruyen la estética del lugar.
Las fuerzas que empujan a la antigua Valladolid al abismo, son cada vez mayores, los esfuerzos de la ciudad por no perder terreno ante sus agresores son inútiles, parece que de la caída no pueden salvarla la rehabilitación de plazas, de avenidas, ni festivales de cine o musicales. Para ver la miseria de la ciudad hay que observar con ojos que salgan un poco de su realidad, de su cotidianidad y que se atrevan a mirar sin doblegarse por el dolor. Hay lugares o escenas en las que resulta evidente la impetuosa invasión de la pobreza. Ni las partes donde se concentra la riqueza están exentas de ver deambular por sus calles a los desfavorecidos personajes que mendigan entre un local comercial y otro.
La
demagogia de los eventos, que un día que exaltan a las culturas indígenas del
estado, las campañas que promueven el turismo y las actividades para los
periodos vacacionales y de asueto, no
tienen un impacto directo en la resolución de los problemas que enfrenta la
principal ciudad michoacana, en cambio, son una puerta abierta para la
corrupción y el desvío de recursos.
Las noticias no dejan de hacer alusión a la pésima calidad de vida que existe en el estado y en la capital del mismo. Los periódicos, las páginas de internet, emisiones radiofónicas, programas televisivos, informan que el índice de desempleo aumenta, dan cifras acerca de los crímenes cometidos, de las zonas en que más atracos se registran al día. Hablan también de bloqueos, marchas, tomas, huelgas, protestas, vandalismo; de situaciones de ingobernabilidad.
Misantropía
Jorge Israel Montes Méndez
Vasos comunicantes
24 de noviembre de 2015
Misantropía
Elogio al desprecio
Qué otro camino se puede tomar cuando se observa al egoísmo en su
esplendor, hacia dónde más se puede ir cuando se sabe que instituciones y
hombres están corrompidos, que el vicio es una plaga que afecta a casi la
totalidad de la población, cuando la conciencia se ausenta, cuando no existe un
juicio propio, cuando todo lo que se critica, se termina haciendo, cuando solo
se es un parasito de sus prójimos.
Cómo reaccionar ante el despotismo de otros, ante su arrogancia
injustificada, ante una pesada carga de valores negativos: falta de ética,
moral que imita a la de todos, que sigue lo convencional.
Qué se puede hacer cuando se grita a la cara de alguien que busque
algo más, que no siga lo dispuesto por otros, que se aleje de lo pernicioso de
ciertas conductas o personas; cuando se sugiere, se aconseja positivamente y no
se obtiene más que indiferencia.
Qué hacer para contrarrestar el avance de la ignorancia y el culto
hacia la misma; cuando el anhelo posee al ser y lo lleva hacia la embriaguez;
cuando lo hunde en la comodidad, cuando lo inmoviliza en una vida precaria, lo
extermina y lo desecha.
Por qué admirar y ambicionar lo prosaico, ¡qué tonto es aquel que se consume por la envidia!
Por qué admirar y ambicionar lo prosaico, ¡qué tonto es aquel que se consume por la envidia!
Qué heroicidad ostentan quienes viven por y para el crimen, por
qué nuestra cultura y nuestras sociedades tienen que tomar como estandartes a
quien se jacta de sus fechorías, por qué tienen que ser vistos como los
caudillos de la actualidad.
Cuando no se es auto crítico y, por lo tanto, no se puede ser
crítico con otros, entonces se aceptan las cosas sin imaginar si existen otras
formas de realizarse y la ovación y la alabanza se otorgan a lo más absurdo que
se pueda encontrar.
Al estar cansado de todo eso, el camino que se tiene que tomar es
la misantropía, el desprecio es la paga que se tiene que dar a quienes viven
sin escuchar las advertencias, no de alguien más sabio, pero sí de un ser
analítico y que no se limita a decir la verdad, que prefiera la honestidad, con
toda su crudeza por sobre la mentira que es misericordiosa.
Por eso el desprecio debe considerarse como refugio
de quién se encuentra hastiado de la estupidez y la ceguera de quien tiene
cerca y que por fuerza ha de soportar. El desprecio es lo único que merece un
ser perdido, cuya estéril vida lo único que puede hacer es contaminar la de los
otros.
Alejarse de ese virus es necesidad primaria, aunque al buscar
alejarnos de esa bacteria, terminemos por huir hacia la nada; es un precio
aceptable que merece ser pagado para que nuestra mente permanezca pura.
miércoles, 25 de noviembre de 2015
LAS FLAPPERS DE HOLLYWOOD: LEATRICE JOY
Claudia Martínez
LAS FLAPPERS DE
HOLLYWOOD
LEATRICE JOY
Leatrice Joy Zeidler fue el nombre completo de una de las más
espectaculares actrices de Hollywood
durante el apogeo del cine silente. Nacida en Nuevo Orleáns, Luisiana,
esta chica vio por primera vez el mundo el 7 de noviembre de 1893; fue, desde
pequeña, una amante de las artes que encontraba su lugar en los escenarios de
teatro, donde inició su carrera.
Poco se conoce sobre su situación familiar y sobre su vida personal,
sin embargo, es sabido que a temprana edad, esta mujer logró adentrarse en el
mundo del cine, pues su debut fue en 1915, con la sencilla casa productora Nora
Film Company, cuya sede se ubicaba en el terruño de esta estrella. Con la creciente industria cinematográfica,
las posibilidades de esta talentosa flapper prosperaron, por tanto, ella optó
por probar suerte en los prometedores estudios ubicados en Hollywood. Su
aventura comenzó en 1917, cuando se mudó a dicho lugar.
El mismo año, fue contratada por la compañía de Samuel Goldyn, donde
participó en la conocida película The
Pride of the Clan; varias fueron sus colaboraciones en las producciones de
la época, a tal grado que para 1920 Leatrice era ya una reconocida y
galardonada artista apreciada por su calidad escénica y por su look andrógino,
peculiar y atractivo en “los felices veinte”. Su éxito se comparó al de
Wallance Beery, Conrad Nagel y Nita Naldi.
Por sus habilidades y la atracción y aceptación del
público, Joy fue contratada con frecuencia para desarrollar papeles de mujeres
independientes, y de forjado carácter, de belleza innegable y conocedoras de la
libertad que poseían. Su corto cabello y su apariencia varonil, fueron un imán
para los espectadores.
Sin embargo, el éxito comenzó a tambalear cuando esta chica optó por
firmar para la Paramount, en 1922, al ser persuadida por DeMille; dos años más
tarde siguió a la mencionada directora en su proyecto particular y se separó de
dicha casa para formar parte de Producers Ditributing Corporation. Tal decisión
repercutió en su carrera, pues esta emergente empresa tuvo éxitos sutiles, en comparación
a los estudios de renombre.
Como consecuencia de un malentendido con la propietaria, la flapper
Leatrice se unió a la Metro-Goldwyn-Mayer en 1925. Tal movimiento fue el principio de su
declive, pues, ante su falta de contratos fijos, la Joy fue poco a poco
alejándose de la industria, puesto que el desencanto por los films silentes
comenzaba a sentirse conforme se adentraba el sonido.
Su acento sureño fue el “causante” de su no adaptación a la nueva era
del cine; puesto que las chicas del noreste tenían una peculiar y elegante manera de expresarse, misma que fue
la ideal para la nueva técnica. En la década de los 30, la actriz estaba cada
vez más alejada de las cámaras, sólo tenía participaciones esporádicas.
Sin embargo fue invitada en 1951 a formar parte del
elenco de Love nest, donde apareció
también la despampanante Marilyn Monroe. Su efímero éxito, en relación a otras
artistas, fue recordado en 1980, en un show cuyo objetivo era celebrar la
trayectoria de Hollywood.
Esta indescriptible chica, quien buscó siempre la manera de sobresalir,
se unió en matrimonio en 3 ocasiones. Sus maridos fueron John Gilbert, padre de
su hija; William S. Hook y Arthur Westermark. Reiterando
el desconocimiento general sobre la vida de esta mujer, se sabe que tras
desaparecer del medio artístico se mudó a Conneticut donde murió de anemia en
1985.
Sus
múltiples actuaciones fueron reconocidas con una estrella en el paseo de la
fama en el 6519 de Hollywood Boulevard.
Fuentes:
Literatura y videojuegos- Una Utopía
La filosofía ha tenido una incursión en los videojuegos, que
si bien no es lo más notorio en ellos, cumple con una función esencial a la
hora de desarrollar una historia.
Hoy hablaremos de Rapture, una ciudad ficticia que
encontraremos en lo profundo del mar, al seguir las aventuras de Jack,
protagonista del videojuego, publicado
en el año 2007, Bioshock.
En lo que parece ser una de las tramas más intrincadas de la
última década, Bioshock nos guiara a Rapture una ciudad construida en el fondo
del mar, con fines de crear una sociedad utópica, donde cada hombre fuera
realmente libre de hacer lo que le plazca, sin necesidad de reglas ni una pisca
de moral.
Como era de esperarse esto no funcionó, y lo que logramos
ver no son los días de gloria de Rapture, sino una ciudad en ruinas donde los
pocos sobrevivientes tienen que matarse unos a otros, cosa que ya es cotidiano,
para poder obtener un sustancia muy especial que les permite sobrevivir en
circunstancias extremas.
Esta sustancia no es más que una droga creada para alterar genéticamente
a las personas, puede hacerlos unos auténticos superhombres, sin embargo tiene
una desventaja muy grande, ya que las personas que usan esta especie de droga,
necesitaran un constante consumo de esta o morirán.
Si logramos adentrarnos un poco más en la historia de
Bioshock, descubriremos que hay un conflicto político e ideológico en Rapture
el cual está lleno de traiciones y engaños, tanto que la aventura que parece
empezar por mera coincidencia, acaba siendo nuestro destino y para lo que fuimos
fabricados (literalmente).
El juego nos mostrará las ambiciones de un hombre que al
querer crear la sociedad “perfecta” terminará con una ciudad completa y
desatando la muerte de miles de personas.
El extraño mundo de Tim Burton
Karla Cristina Pérez Santana
La
melancólica muerte de Chico Ostra
Es un libro compuesto
por más de 20 poemas, escritos en verso que a veces son dos líneas, a veces dos o tres estrofas, pero que calan por su atroz ingenuidad e ilustrados por el propio autor. Los
protagonistas de las historias son niños solitarios, extraños y diferentes. En
esta obra literaria Tim Burton se muestra fiel a su particular universo, donde
prevalece la melancolía, el amor, el humor negro y la fantasía. La edición en
español es bilingüe, es decir, aparece la adaptación de los poemas en español y
la versión original en inglés. La miniserie cuenta con la música del colaborador
inseparable de Burton, Danny Elfman.
Este libro nos ofrece una galería de niños solitarios,
extraños y diferentes, excluidos de todos, nos van a
horrorizar y enternecer, a emocionar y hacer reír.
Lo monstruoso es personificado
con ternura y cuidado, con una lírica
que puede entender un niño, pero que
disfruta y comprende mejor un adulto. Casi todas las historias acaban
con un final trágico, que acaba con el sufrimiento de ese niño que no es feliz
en el mundo que le ha tocado vivir.
Esto se interpreta como una crítica hacia todas esas personas que marginan a los que son diferentes y que, lejos de interesarse por ellos e intentar conocerlos y hacerles la vida más fácil, les traumatizan y los dejan solos, y sin un poco de amor propio.
El realizador
cinematográfico ha dicho: “Muchas de las cosas que ves cuando eres niño
permanecen contigo. Pasas la mayor parte de tu vida intentando asimilar esas
experiencias”. Burton ha elaborado casi
toda su obra, reflejando una serie de
elementos infantiles que el transforma, dando su sello personal donde convive casi siempre un
héroe que es habitado por algunas formas de oscuridad que lo humanizan o
viceversa, villanos adorables con los que no cuesta nada empatizar. Y es lógico
que ni los buenos son tan buenos, ni los
malos son exclusivamente malos.
Algunos de los poemas
que más me gustaron tienen como protagonista a Palillo y Cerilla, que se
enamoran, pero su amor termina siendo muy "ardiente". La mirona, que
decide dar un descanso a sus ojos. Ojos de Clavo, que él mismo adorna su árbol.
El Chico Tóxico, que me pareció una ternura. La historia más triste
es la del Chico Ostra, cuyos padres se declaran amor en la costa del mar. El
pobre Carlo huele a pescado, sufre el rechazo de los chicos del barrio y se
pasa las horas mirando como el agua se arremolina en la alcantarilla. Carlo es
finalmente devorado por su padre y enterrado en la playa. Pero nadie podrá
recordarlo porque las olas borran todas las huellas de su salada existencia. Y así, muchos más personajes que
se enamoran pero sufren por sus condiciones, o están solitarios, o no son
aceptados; muy al humor y fantasía de Tim Burton.
Este libro es una auténtica obra de arte y como no podía ser de otra manera refleja ese
universo tan particular que crea Burton siempre y esa inventiva que tiene en la cuál es capaz de mezclar crueldad y ternura y lo macabro y
escalofriante con lo poético.
Directores Contemporáneos: Jonathan Glazer y Bong Joon-Ho
Directores Contemporáneos
Jonathan Glazer: Under the Skin.
Bong Joon-Ho: Snowpiercer.
Por Betsy Mares
En esta entrega número once abordaré el género de la ciencia ficción con dos películas muy distintas, por lo que veremos cómo un mismo género puede ser utilizado de maneras tan contrastantes. Cabe mencionar que esto se puede adjudicar a la versatilidad intrínseca en la ciencia ficción, así como podríamos dar el crédito a los directores, que con sus interesantes visiones, aportan algo diferente al mismo género. Yo diré que hay un poco de ambos, incluso me inclino más hacia el director, pues a pesar del potencial latente en el género, se requiere el talento del director para saber explotarlo.
Jonathan Glazer
Se trata de un director y guionista inglés, cuyos proyectos no se limitan al cine, pues también ha dirigido comerciales para televisión y videos musicales. En realidad su trabajo en el cine es bastante escaso y de corte independiente, habiendo dirigido únicamente tres largometrajes, Sexy Beast (2000) con un guión escrito por Louis Mellis y David Scinto, su taquilla fácilmente sobrepasó su pequeño presupuesto, y fue del gusto de la crítica; Birth (2004), escrito por Jean-Claude Carrière, Milo Addica y el mismo Glazer caso contrario a la anterior, pues esta fue mal recibida por la crítica y sus ingresos de taquilla fueron apenas suficientes para compensar su presupuesto; y Under the Skin (2013), al que me estaré refiriendo.
Under the Skin (2013)
Esta cinta está basada en la novela homónima de Michel Faber y cuenta con un guión adaptado por Glazer y Walter Campbell. Comienza con un motociclista cargando el cuerpo de una joven dentro de una van, después vemos un personaje femenino (Scarlett Johansson) tomando la ropa de la chica para vestirse; a partir de ahí se nos muestra la misteriosa mujer conduciendo la van por las calles de Escocia atrayendo a hombres solitarios para llevarlos a su casa. Nadie vuelve a ver a los hombres en cuestión.
La ciencia ficción es un aspecto innegable en este filme, ya que se nos da a entender que el personaje de Johansson es extraterrestre, sin embargo las opiniones se dividen al señalar que también podría considerarse como parte del género de terror o cine de arte, otros concilian las tres categorías. Se trata de una película bizarra, puede sentirse lenta o excesivamente contemplativa y hay poco diálogo, por lo que sé que no será del agrado de todo público. Sin embargo, estos aspectos que podrían verse como negativos, los encuentro completamente intencionales por parte del director, quien con esta estrategia no intenta decirte cómo debes sentirte, sino que te hace sentirlo, el frío, la confusión, la frustración, lo extraño de ver a la humanidad desde una perspectiva completamente ajena. En realidad no es una experiencia “disfrutable”, pero definitivamente es toda una experiencia, es intrigante y perturbadora, demanda pensamiento pues no explica lo que sucede, sólo lo muestra, por lo tanto hay una gran variedad de interpretaciones.
Las decisiones del director se ven atinadas, como la elección de Scarlett Johansson como la protagonista, un papel muy poco expresivo al inicio, cuando se nos presenta este personaje como un villano, pero que va evolucionando y se vuelve complicado. Otro elemento sumamente destacable es el soundtrack de Mica Levi, una música terriblemente inquietante. Tanto las imágenes de la naturaleza como las tomadas sin guión a personas reales con cámaras escondidas funcionan muy bien, sobre todo las segundas, por medio de las cuales contemplamos la experiencia humana que parece provocar el descarrilamiento de nuestro personaje principal.
Bong Joon-Ho
Él es un director y guionista de cine surcoreano muy importante en su industria local, además destacado a nivel mundial por sus cintas de horror y thriller. En su carrera realizado varios cortometrajes, ha aparecido en un par de documentales y ha hecho pequeñas incursiones actorales; como guionista, ha escrito, en colaboración con otros, todos los filmes que ha dirigido, además de otros libretos que no dirigió. Su obra en largometrajes ha sido sobresaliente, pues la buena calidad en su trabajo es constante, pues desde su primera cinta, Barking Dogs Don’t Bite (2000), la mayor parte de la crítica ha dado comentarios positivos a sus proyectos, aunque como suele suceder con los filmes independientes, la taquilla de su segunda producción, Memories of Murder (2003), ni siquiera superó su presupuesto de 2.8 MDD; sin embargo, mayor éxito en ganancias lo tuvo con The Host (2006), considerada una de las mejores películas de terror de los últimos tiempos fue la que le ganó su buena reputación internacionalmente. En 2009 estrenó el drama Mother y en 2013 vino Snowpiercer, su primer largometraje en inglés.
Snowpiercer (2013)
En 2014, la humanidad decide tratar el problema del calentamiento global lanzando un químico enfriador a la atmósfera, pero este termina causando una segunda era de hielo que deja al planeta sin vida. Los únicos sobrevivientes son los humanos que pudieron subir al tren diseñado para ser un arca donde poder vivir, y donde las clases sociales están divididas por los vagones, estando la clase alta en el frente y la baja atrás. La historia se desarrolla cuando, después de 18 años, estos últimos buscan rebelarse contra quienes los hacen vivir en condiciones de pobreza extrema.
El guión fue escrito por Bong y Kelly Masterson. La idea de los únicos humanos sobreviviendo en un tren está basada en la novela gráfica francesa Le Transperceneige de Jacques Lob Jean-Marc, pero la historia y los personajes son originales. Esta película de ciencia ficción y acción lleva el sello de Bong y se diferencia fácilmente de las producciones de occidente a pesar de su idioma y actores reconocidos de occidente, quienes incluso ayudaron a Bong con los diálogos, debido al idioma extranjero para el realizador. Considerando que no se trata de una superproducción de Hollywood y que (por su historia) gran parte de la cinta amerita efectos visuales, hay que reconocer que se hizo un esfuerzo bastante decente con estos, a pesar de que no siempre son del todo convincentes; sin embargo la película se sustenta por sí misma, así que no representan mayor distracción para el espectador.
Aquello que contrasta tanto con Under the Skin, es que Snowpiercer es una pieza de ciencia ficción mucho más accesible, pues sus muchas escenas de acción y momentos humorísticos la hacen más llevadera y digerible, aunque también más gráficamente violenta, pero no pierde de vista la naturaleza reflexiva del filme. Cabe señalar que hay cierta escenas que podrían parecer ridículas, sin embargo, al darles cierta reflexión terminan siendo ingeniosamente perturbadoras (particularmente me refiero a la escena en el vagón de la escuela). El mensaje principal de la película podría ser que la mayor enemiga de la humanidad no son las catástrofes climáticas, sino la humanidad misma, cuya cruda naturaleza e instinto de supervivencia es bien retratado aquí por Bong. Aunque claro, como toda obra, está abierta a la diversidad de interpretaciones.
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